Estamos muito entusiasmados em compartilhar nossa entrevista com o vencedor do Surreal Salon 18, River Reishi, selecionado pelo jurado convidado, Swoon. Por ocasião da vitória, conversamos com Reishi sobre o trabalho na mostra, a história do Surreal Salon e suas próximas viagens.
Juxtapoz: Parabéns pela grande vitória! Fale sobre o trabalho vencedor, qual a história por trás dele, o processo e até mesmo o processo de submissão ao Salão Surreal?
Rio Reishi: A peça se chama Tensão superficial. Mostra uma figura emergindo de águas escuras, com as mãos estendidas para a frente, como se ela estivesse prestes a romper a superfície e entrar em nosso mundo. Ela está meio submersa, suspensa naquele estranho momento entre dois reinos. Ao seu redor há um campo efêmero de areia preta e âmbar.
Vista de terra, a superfície da água parece lisa e transparente, quase vazia. Mas é claro que esconde um mundo inteiro que não é o nosso. Sempre fui fascinado por esse limiar. A instalação tenta captar aquele exato momento em que os dois mundos se encontram.
A escultura também brilha fracamente por dentro, o que era um pouco difícil de ver na forte iluminação da galeria, mas torna-se visível conforme você se aproxima. Eu gosto dessa surpresa silenciosa. A peça parece parada a princípio, mas há uma sensação de que algo está para acontecer. A água costuma ser um símbolo de vida, mas também carrega perigo e poder. A Louisiana e a região do Golfo conhecem muito bem essa realidade. Acho que parte dessa tensão entrou no trabalho.
A areia preta que rodeia a escultura é solta e desenhada à mão em padrões, pelo que a instalação só existe nessa forma durante um curto período de tempo. Mesmo pequenas vibrações mudam isso. Estou interessado nessa fragilidade, em obras que não conseguem permanecer fixas.
Já foi uma honra participar de uma mostra com curadoria de Caledonia Curry (Swoon). Quando cheguei para instalar a peça e vi as outras obras pela primeira vez, lembro-me de ter pensado como cada uma delas era assustadora e memorável. Então, ouvir a peça anunciada como Best in Show mais tarde naquela noite pareceu surreal no sentido mais verdadeiro.
Você acompanhou o Salão Surreal nos últimos anos? O que você sabia sobre isso?
Há anos que ouvia falar do Surreal Salon através da comunidade da arte pop surrealista, mas esta foi a primeira vez que morei perto o suficiente para comparecer pessoalmente. Fiquei ouvindo que parecia um pontapé inicial não oficial para a temporada de Mardi Gras, que as pessoas vinham com fantasias elaboradas e que toda a noite tinha uma atmosfera comemorativa e ligeiramente sobrenatural.
O que eu não percebi até participar deste ano foi que algumas pessoas realmente desenham seus figurinos com base nas obras de arte da exposição. Isso foi incrível de ver. A certa altura, alguém veio até mim vestindo uma fantasia inspirada na minha peça, e assisti-lo modelá-la e explicar como a escultura influenciou o design fez minha noite completamente. Parecia que a obra havia saído brevemente da galeria e entrado na sala!
Além disso, foi uma adição maravilhosa ter SWOON como jurado do concurso deste ano. Já fiz isso no passado e foi um trabalho difícil e gratificante. O que você sabia sobre o trabalho do SWOON e isso fundamentou sua inscrição?
Há muito tempo que admiro o trabalho de Swoon, especialmente as suas instalações e a forma como ela transita entre a escultura, a arquitetura e a intervenção pública. Ouvi falar dela pela primeira vez em 2009, quando ela trouxe o projeto Swimming Cities of Serenissima para a Bienal de Veneza. Uma frota de jangadas esculturais flutuando em um dos espaços mais formalizados do mundo da arte foi um gesto inesquecível.
O ato de chegar assim, sem esperar autorização institucional, passou a fazer parte da própria obra. Esse tipo de ousadia sempre esteve comigo. É difícil entrar no mundo da arte, especialmente em espaços onde a voz é cuidadosamente selecionada e curada. Ver uma artista abrir espaço para si mesma de forma tão criativa foi incrivelmente inspirador.
Também adoro a direção que seu trabalho tem tomado recentemente com o projeto Sibylant Sisters. Meu próprio trabalho é profundamente inspirado em mitos e narrativas, por isso tem sido fascinante vê-la desenvolver esse mundo, criando seus próprios cartões de oráculo e construindo uma mitologia viva em torno do trabalho. Há algo de poderoso nos artistas que inventam linguagens simbólicas nas quais as pessoas podem entrar. Então, ter a oportunidade de conhecê-la e vê-la conhecer uma de minhas instalações foi um momento muito significativo para mim.
Você trabalha em algumas mídias diferentes, e a escultura e a instalação parecem ser seu foco. Fale um pouco sobre o seu processo e onde você se sente mais confortável como maker?
Não tenho certeza se me sinto confortável em algum meio e acho que isso provavelmente é uma coisa boa. Tenho tendência a buscar qualquer material que pareça necessário para a ideia em questão. De muitas maneiras, minha prática cresceu a partir de restrições práticas. Durante muito tempo não tive um estúdio grande, então tive que encontrar formas de fazer um trabalho que pudesse se expandir temporariamente para um espaço e depois desaparecer novamente. Areia, elementos esculturais modulares e materiais efêmeros emergiram dessa realidade.
Com o tempo, essas limitações tornaram-se parte da linguagem da própria obra. Sinto-me atraído por materiais que transmitem uma sensação de fragilidade e transformação. A instalação permite-me construir um ambiente em torno da escultura onde essas ideias podem revelar-se mais plenamente, onde o espectador não está apenas a olhar para um objecto, mas a entrar num momento ou numa história.
Que tipo de artistas influenciaram você quando você começou a encontrar sua própria voz? E, como uma boa anedota, qual foi o último trabalho que fez você parar e voltar ao estúdio e criar?
A voz é um conceito interessante para mim como mulher, porque as mulheres muitas vezes enfrentam obstáculos específicos quando se trata do surgimento da voz. É preciso uma certa audácia para dizer algo e comprometê-lo com a arte. De certa forma, você está pedindo ao mundo que ouça. Por isso, me inspiro especialmente em mulheres que fazem arte sem pedir permissão.
Mencionei anteriormente como foi poderoso para mim saber que Swoon trouxe seu projeto Swimming Cities para a Bienal de Veneza. Esse gesto sempre ficou comigo, não só pelo trabalho em si, mas pela confiança que está por trás dele. A vontade de reivindicar espaço num mundo que nem sempre o oferece facilmente. Momentos como esse me lembram que a voz não tem a ver apenas com o que você diz como artista, mas também com permitir-se dizê-lo. Essa ideia continua a moldar a maneira como abordo meu próprio trabalho.
Quanto à última obra que me fez parar, visitei recentemente o Museu Nacional de Antropologia da Cidade do México. Percorrer as galerias de cerâmicas figurativas de diferentes regiões do México foi completamente fascinante. A cerâmica maia, em particular, me deixou sem fôlego. Há tanto espírito neles, uma grande sensação de presença. Encontrei uma face de cerâmica que me afetou profundamente. Já voltei várias vezes para vê-lo e cada vez saio me sentindo mais inspirado para voltar à escultura.
O que mais você planejou para este ano? Você gosta de trabalhar em galeria ou prefere meios alternativos para mostrar seu trabalho?
Neste verão estarei trabalhando com a Raf Gallery em Reykjavik, Islândia, durante o mês de agosto. Um eclipse solar total passará diretamente sobre Reykjavik em 12 de agosto e, no final daquele mês, a cidade celebrará Menningarnótt, um grande festival municipal de artes e cultura.
A Raf Gallery trabalha tanto com obras de arte quanto com joias de âmbar do Báltico, e sempre fui atraído pelo âmbar como material e objeto mitológico. Para a exposição instalarei uma escultura e uma instalação de areia que conta o mito do nascimento do âmbar do Báltico, ao mesmo tempo que reflectirá sobre a mitologia do eclipse e a relação entre escuridão e luz.
A areia virá da orla local e ao final da exposição convido a comunidade a desmontar a instalação comigo. Carregamos a areia de volta ao oceano e a devolvemos com um desejo, uma oração ou uma intenção.
Eu amo profundamente a Islândia. A areia preta que costumo usar nas minhas instalações foi inspirada na praia vulcânica de Reynisfjara, por isso poder criar trabalhos ali durante um momento celestial tão raro parece muito significativo.
Quanto aos locais onde gosto de mostrar o meu trabalho, gosto de muitos contextos diferentes. Minhas instalações já apareceram em galerias, museus, vitrines vazias e até prefeituras. Mas meu lugar preferido para trabalhos efêmeros é a praia.
Quando eu morava perto do mar, no estado de Washington, amigos e eu às vezes construíamos altares temporários com flores, troncos, conchas e plantas como oferendas à água. A maré lentamente levaria tudo embora. Há algo muito especial em construir algo juntos que só existe por uma noite.
O que você gostou em toda a experiência do Surreal Salon? Quais foram alguns dos destaques?
A noite inteira teve uma energia incrível. Os figurinos por si só eram extraordinários, e para onde quer que você olhasse havia outro pequeno momento de criatividade se desenrolando. Música, conversa, artistas se reconectando, pessoas descobrindo trabalho pela primeira vez. Parecia comemorativo da melhor maneira.
Houve também um momento inesperado no início da noite. Alguém acidentalmente recuou para a plataforma que segurava minha instalação e, quando a plataforma se deslocou, a areia vibrou e muitos dos desenhos detalhados desapareceram. Felizmente a pessoa que tropeçou estava completamente bem, o que era o mais importante. Mas de uma forma estranha o momento também revelou algo essencial sobre a obra. Algumas pessoas presumiram que a areia havia sido colada ou pintada no lugar. Quando mudou, de repente ficou claro que toda a superfície estava solta e desenhada à mão. Sentei-me ao lado da peça e consertei-a cuidadosamente, redesenhando os padrões na areia e no âmbar enquanto as pessoas observavam.
Para mim aquele momento capturou o espírito do trabalho. A instalação só existia exatamente dessa forma naquela noite específica. Poderia ser recriado, mas nunca mais seria exatamente o mesmo. Todos ali estavam testemunhando algo temporário, algo que pertencia apenas àquele momento. E de uma forma que pareceu muito adequada para o próprio Salão Surreal.
River Reishi é um artista multidisciplinar cujas esculturas e instalações efêmeras em areia exploram o mito, a dor e o misterioso limiar entre os mundos. Baseando-se em divindades femininas da água e em antigas tradições de contar histórias, ela trabalha com materiais como areia, âmbar e luz para criar ambientes que existem apenas brevemente no tempo.
Veja mais em riverreishi.com e no Instagram @riverreishi.
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