“Pee-Wee’s Playhouse surpreendeu todo mundo”, ele me diz, “porque não havia nada parecido na TV na época. Éramos um bando de esquisitos de Nova York. Todo o resto na TV era feito em Los Angeles” Seu herói artístico era o mestre desenhista de desenhos animados, R. Crumb, cuja influência foi combinada com um vocabulário artístico do expressionismo alemão e embalagens de cereais e detergentes de meados do século; o resultado foram três Emmys pelo design do ambiente Pee-Wee. Wayne também foi um dos titereiros e me oferece uma lista de todas as vozes que ele deu aos bonecos enquanto eles interagiam com Paul Reubens para o entretenimento de todas as crianças criadas na década de 1980. O trabalho levou à direção de arte de uma série de programas infantis de televisão, dirigindo o vídeo “Big Time” de Peter Gabriel e “Tonight, Tonight” do Smashing Pumpkins. Ao longo do caminho, ele conta histórias sobre perseguir o cartunista Art Spiegleman para auditar suas aulas na Escola de Artes Visuais, inspirado por um jovem Matt Groening, relembra Gary Painter no apogeu de seu reinado como rei do desenho animado punk rock e conhecendo a lenda dos desenhos animados da nova onda, Mimi Pond, com quem Wayne se casou e cujo trabalho inicialmente os levou ao sul da Califórnia (Pond escreveu o roteiro do primeiro episódio completo dos Simpsons).
Claro, que história de vida de artista estaria completa sem a colocação de uma enorme cabeça de fantoche de Lyndon Baines Johnson para contar adequadamente a história da América? Wayne White não é uma visita comum a um estúdio. Ao relembrar seus movimentos pela América e pincelar com a glória, suas pinturas no estúdio de repente refletem uma poética americana, que poderia parecer um pouco cansada, irônica ou insinceramente kitsch se quaisquer outros atores ou cenários fossem adicionados às suas composições. Mas é um empreendimento sério com a poesia simples das palavras de White e a arte do matiz, forma e sombreamento das letras. O resultado final são pinturas únicas num mundo da arte repleto de conformidade. Sempre há espaço para um original americano e, neste caso, também há compradores. Ele vendeu cerca de 400 de suas pinturas em pouco mais de uma década e planeja agora uma exposição em uma galeria, com novas pinturas e um retorno ao passado de marionetes com elementos escultóricos. Um espetáculo teatral está sendo refinado e apresentado à margem da cena teatral do sul da Califórnia, um lugar que o mundo da arte até agora teme pisar.
Um olhar mais atento a qualquer uma de suas pinturas, porém, leva o espectador às raízes da arte de White: os quadrinhos. A clássica história de sucesso americana de White é influenciada pela mais popular forma de arte americana. Ele era o quadrinista do jornal de sua escola secundária. Ele viu a Raw Magazine e se mudou para Nova York sem nenhum contato na cidade, mas com o desejo de estar na vanguarda do desenho animado. Ele chama a composição de suas pinturas de “máquinas Pachinko para o globo ocular”, mas a estrutura, especialmente com a moldura elegante que as paisagens pré-fabricadas do passado proporcionam a cada imagem, é essencialmente uma célula cômica.
Esses espaços teatrais emoldurados transmitem suas meditações poéticas com suas frases claramente influenciadas pelo onipresente balão de palavras do estilo das histórias em quadrinhos. Ele pode ser um herdeiro do legado pictórico de Magritte, mas ressalta que a beleza inexpressiva do chapéu-coco está tão profundamente ligada às fraquezas comuns das comédias clássicas de Buster Keaton quanto às narrativas prolixas e tecidas da história da arte.
As palavras que Wayne White pinta são como os personagens animados que dominaram a consciência popular por mais de um século. Dos Katzenjammer Kids ao Crumb’s Keep on Truckin’; de Coochie Cootie de Robert Williams em Zap Comics ao precursor de Maus em Raw, ao próprio Bart Simpson, White pinta palavras, frases e sentenças únicas como personagens memoráveis, cada um atuando em uma produção de palco de um painel da mente cômica ganhando vida como roteiro em cenário pré-fabricado. Quando a carne se torna palavra para habitar entre nós, não é como a identidade desenfreada de um ator ou diretor; White privilegia o poeta como roteirista dessas células mágicas de um ato. Os resultados são tão espirituosos e sábios quanto qualquer arte por aí, mais divertidos do que qualquer teoria de arte seca nas escolas, são tão inspiradores e mordazes quanto a melhor arte de rua e parecem tão conceitualmente clássicos hoje quanto as paisagens de suas lojas de departamentos devem ter aparecido há quarenta anos ou mais nas centenas de milhares de casas onde foram penduradas. Se a cena manchada de nicotina do seu avô, de uma fazenda idílica que foi jogada como extra pelo vendedor de móveis, acabou em um brechó depois que eles resolveram a propriedade, Wayne White poderia ter uma frase para virar, torcer e pregar, a fim de acender nossa memória coletiva de uma América que era mais real nas paredes de nossa sala de estar do que as palavras poderiam lembrar.*
Este artigo foi publicado originalmente na edição 19 da Hi-Fructose, que está esgotada. Obtenha a última edição da Hi-Fructose impressa inscrevendo-se aqui.
Credit Post By: Mat Gleason