“Não pretendo limitar meu trabalho a retratar crianças”, diz Watanabe, “mas, na minha cabeça, vejo as crianças começando a se mover na pintura. Se eu conseguir acessar o espaço e transformá-lo, o trabalho deixará de ser um objeto destinado a ser apreciado em um espaço funcional como uma ferramenta. Apenas fazendo com que minhas filhas entrem em um espaço pintado criado por outros, o espaço não mudará, mas ainda conseguirá mudar por alguma razão elusiva que é difícil de colocar em palavras. As filhas são como as únicas portas abertas na o espaço? Isso me dá alegria.
Há uma imensa sensação de alegria que parece preencher Watanabe, também, quando ele opina sobre as obras de arte ocidentais que copia. Ele é especialmente fascinado pela busca dos antigos mestres para capturar as variações da luz e das trevas. Uma grande diferença que ele encontra entre as tradições artísticas no Japão e no Ocidente, em geral, é o uso de contornos.
“Como os japoneses usam pincéis desde os tempos antigos”, diz ele, “eles capturam objetos e pessoas em contornos. Eventualmente, isso se torna como uma expressão ukiyo-e, uma técnica de colocar cores planas no contorno.”
Minha ideia era buscar uma pintura pura que eliminasse qualquer ruído da pintura original.”
Embora sua capacidade de copiar antigos mestres tenha melhorado com a prática, também melhorou depois que ele começou a registrar e abraçar essa diferença essencial. As cores delineadas e achatadas foram, durante algum tempo, uma armadilha que o impediu de captar plenamente os estilos do artista europeu que pretendia imitar.
De todas as pinturas que copiou, a que achou mais revigorante foi “Descida da Cruz”, de Peter Paul Rubens. Ele colocou a cena dinâmica e diagonal no meio de uma das florestas de Henri Rousseau. A presença da obra de Rubens desempenha um papel primordial na paisagem de Rousseau. O selvagem e o incognoscível torna-se gerador e produz algo com o qual o espectador pode se identificar.
“O realismo me lembra uma teoria cinzenta do movimento do solo e um espaço newtoniano vazio. Quando penso em Michelangelo, penso em corpos excessivos de desenho animado. Botticelli é todo cenário. Aquela ‘Descida da Cruz’ foi uma produção de estúdio e, realmente, não muito boa. Mas fiquei feliz quando fiz isso, porque acho que cheguei um pouco perto de como Rubens pintou. Quero tentar de novo, só que maior”, diz Watanabe.
Outro ponto em comum nas pinturas recentes de Watanabe é o seu tamanho invariavelmente grande. O nível de detalhamento exige dois a três meses do início ao fim de cada obra. (Watanabe brinca que os detalhes exigem um pouco mais de atenção do que antes, já que ele começou a usar óculos de leitura.)
Os preparativos começam descobrindo como ampliar ou reduzir o trabalho original que ele citará. Uma enxurrada de esboços o ajuda a trabalhar nesse processo. Os projetores não servem para o trabalho, pois as lentes podem distorcer a imagem original. Assim que o desenho obtém o resultado que procura, Watanabe espalha uma fina camada de gesso com carbonato de cálcio em toda a tela. A cor base é aplicada três vezes em acrílico e depois a cena e as figuras são traçadas grosseiramente. Os detalhes brutos são pintados a óleo e ele usa um leque para remover os olhos do pincel. Os detalhes são adicionados a seguir, traçados primeiro e depois em óleo.
Uma parte significativa dos meses gastos para fazer essas pinturas, entretanto, é gasta em esboços preparatórios. “É difícil mudar a imagem quando você já não está mais esboçando”, diz Watanabe. Apesar de sua extrema importância para seu processo, o artista descarta o esboço uma vez finalizada sua finalidade.
“O realismo me lembra uma teoria cinzenta do movimento do solo e um espaço newtoniano vazio. Quando penso em Michelangelo, penso em corpos excessivos de desenho animado.”
A juventude de Watanabe foi passada rodeada de livros de arte e em visitas ao museu. Sua mãe, pintora amadora e graduada em artes, serviria de guia nessas viagens. A arte, porém, não era um grande interesse naquela época. Isso mudou depois que ele fez uma pintura a óleo que recebeu muitos elogios de sua mãe artística.
As escolas secundárias e secundárias locais ofereciam poucas atividades extracurriculares relacionadas à arte. As aulas de arte disponíveis eram “sem sentido” e uma aula de música era menos uma válvula de escape criativa do que, nas palavras de Watanabe, uma “memória amarga”.
Ele diz: “Sou autodidata. Minha escola secundária não tinha professor de artes e eu não estudei artes na universidade. Aprendi com os livros de técnica que minha mãe mantinha por perto, mas as aulas ainda eram bastante limitadas”.
Ainda assim, um chamado para pintar veio de dentro. O casamento gerou filhos e Watanabe sabia que precisaria ganhar dinheiro de uma forma ou de outra. Apostou na sua arte e planejou uma exposição individual em Tóquio. Na mesma época, ele escreveu uma peça que amigos de um teatro local encenaram. As vendas daquela primeira exposição individual e da peça financiaram outra exposição em Ginza.
Naquela época, a economia de Tóquio estourou e o pouco dinheiro que Watanabe ganhava com a arte começou a secar. As coisas mudaram, porém, depois que ele ganhou dez milhões de ienes (cerca de US$ 90 mil) em uma competição de arte de alto risco. Essa vitória chamou a atenção de feiras de arte e também da Christies em Hong Kong.*
Este artigo foi publicado originalmente na edição 54 da Hi-Fructose, que está esgotada. Obtenha nossa última edição com uma nova assinatura aqui!
Credit Post By: Clayton Schuster