Atenção ao drama dos pequenos detalhesEnsaio de Duncan Wooldridge Como pode uma fotografia – um meio de distração e atenção em igual medida – gerar condições para observação, atenção e experiência material? Em seus recentes escritos sobre performance, Claire Bishop observou como 19o o público do teatro do século XX entrava e saía das peças: conversando em pequenos grupos e estudando o público, concentrava-se apenas em determinados momentos da representação. Precedendo os nossos curtos e aparentemente comprometidos períodos de atenção digital, o exemplo que Bishop fornece é instrutivo porque criticar os espectadores é ter-se precipitado: em momentos-chave da peça, observa ela, o público silencia e concentra-se numa espécie de concentração comunitária – um testemunho colectivo de momentos de transformação crítica, pontos de viragem significativos e outros casos com as qualidades de um evento. Este foco é totalmente diferente do silêncio obrigatório do teatro contemporâneo, e Bishop celebra um momento colectivo de atenção que não é de todo garantido na experiência tranquila e fundamentalmente internalizada: a atenção flutua e parece imprevisível, mas as multidões teatrais equilibram e combinam com sucesso a experiência de uma multidão com o mundo construído da peça, misturando apresentação com representação, produção com reprodução, para que possam ser entendidas como sempre já dentro e do mundo e da sua imaginação. O exemplo de Bishop do passado do teatro não existe para sugerir que podemos recuperar o nosso foco numa era de distrações sem fim, mas para nos lembrar que tudo o que produzimos deve ter em conta as nossas distribuições atuais do sensível, encontrando valor e ressonância numa concentração que é múltipla; capaz de processar uma multiplicidade de entradas e camadas de encontro. A fotografia, meio de acontecimentos, tem sempre uma dupla função. É uma testemunha que é também produtora, uma mosca na parede que é também regime de visibilidade. Mas, para usar o exemplo teatral de Bishop, é como se tivéssemos reduzido aquilo que rodeia a imagem, os seus gestos, a matéria, as suas vidas posteriores e complicações, a um público que deve permanecer em silêncio. A fotografia participa da produção do mundo e também da sua reprodução, mas as imagens fotográficas são rotineiramente invisíveis, pois muitas fotografias passam a reproduzir o mundo tal como ele já aparece. Mas não há fotografia que não desempenhe também um papel no devir, uma forma de ver que informa, molda e condiciona a nossa percepção futura. Quais seriam as qualidades de uma fotografia que pudesse desenvolver um estado de atenção, voltando e focando a nossa atenção de uma forma que pudesse ter semelhanças com o foco colectivo nos eventos críticos do teatro inicial? O fluxo incessante de imagens na nossa experiência diária dirige-se principalmente para a representação naturalista, mas essas mesmas imagens podem também fornecer novas formas de perceber e sentir, estruturar e organizar as nossas sensibilidades. Num único encontro, uma imagem mostra-nos algo visto que também estrutura subtilmente a nossa visão, e é por isso que é tão crucial que estejamos atentos à forma como as imagens no nosso mundo figuram e dão forma à nossa compreensão: as imagens não são apenas causas, mas também ondulações e rupturas, partículas e ondas. Produzindo um corpo heterogéneo de fotografias que se oferecem tanto ao olhar afectado como ao controlado, Benjamin Jones tem vindo a desenvolver um projecto em que a fotografia é uma tecnologia de observação e reprodutibilidade visual incorporada na nossa experiência do mundo. Trabalhando frequentemente em ambientes dedicados ao estudo focado e à observação atenta, incluindo museus de história natural, jardins botânicos e paisagens protegidas, o seu trabalho pode ser confundido por se preocupar predominantemente com o seu tema. Isto lembra uma preocupação nos trabalhos de artistas conceituais em explorar as estruturas de significado e as fronteiras disciplinares e categorias da arte sem sacrificar o interesse no mundo e nas suas aparências. No entanto, como escreveu John Hilliard, devemos ter cuidado com a confusão de fins e meios: as instalações de Jones mantêm um equilíbrio afinado entre imagem e matéria e uma reflexão crítica sobre linguagens fotográficas que condicionam subtilmente o que e como vemos. A combinação de suas fotografias entre sensibilidade pictórica e abstração, história natural e poética fotográfica, e suas instalações pontiagudas e múltiplas, não podem ser reduzidas a um único campo. Em vez disso, a melhor forma de abordá-los é considerar o seu funcionamento através dos limites. Evocando estudos fotográficos de investigação natural vistos na obra de Jochen Lempert, ou o equilíbrio entre lugar e matéria que caracteriza as obras de Zoe Leonard, as fotografias de Jones procuram o estado de objetos e materiais, transições e cruzamentos entre estados: linear, iterativo, looping e rítmico. Podemos observar a recorrência da água e suas diversas condições em diversas obras, mantidas como gotículas que buscam seguir o caminho da gravidade, coletadas mas esperando para serem evaporadas, ou mantidas em uma forma congelada e cheia de movimento. Em Fluxo de gelo, Lake District, 2023/24em torno de uma série de rochas escalonadas, a água congelou enquanto serpenteava para baixo. Acompanha e mapeia o terreno escalonado de uma forma surpreendentemente descritiva, contrariando a busca da água pela rota mais rápida. Uma representação do fluxo preso, o gelo também é imagem. Congelado, tem um acesso fantástico a ideias de movimento: tal forma só poderia ocorrer ao longo do tempo, congelando e aquecendo, congelando e aquecendo novamente, a água passando sobre o gelo, derretendo e esculpindo (escapando), apenas para ser mantida no lugar mais uma vez. Os ciclos de aquecimento e resfriamento mostram que o gelo não pode ser considerado estático, e as analogias com a fotografia são poderosas aqui. O gelo é fotográfico na nossa observação e partilhado connosco como uma imagem analógica que descreve o movimento através de momentos de desenvolvimento líquido, entre o molhado e o seco. Tornado aparentemente estável, até que, sob um olhar mais atento, torna-se incerto e em fluxo, as fotografias de Jones e os seus gestos em relação aos sistemas classificatórios balançam a distância objetiva e a captura à nossa frente, apenas para que a nossa atenção ao drama dos pequenos detalhes desequilibre ou altere o nosso sentido de equilíbrio. Sentimos um drama e um significado com a mudança material, e isso ecoa as transformações dentro da imagem. Como parte da travessia de limiares e da heterogeneidade visual de seu trabalho, abrangendo uma variedade de assuntos e conteúdos pictóricos, Jones mistura representação e abstração. Apresentam-nos elementos tangíveis de traços indexicais e pistas informativas sutis que requerem escrutínio juntamente com formas fotossensíveis generativas e abertas, produzidas por processos iterativos. Numa série de novas obras figurativas, membros de animais bem cortados estão em meio ao movimento. Eles estão entre o movimento e a estagnação, mas também entre o artefato e a proposição. Em Em direção a (2026) uma emu parece estar se movendo em nossa direção. A perna da frente é plantada enquanto a de trás é levantada, avançando, o foco recai sobre o pé de trás num momento de detalhe que dramatiza a sua aproximação iminente. Nosso olhar foca aqui primeiro, a perna dianteira e o corpo peludo do pássaro, que sai do topo do quadro, macio como se estivesse fora da capacidade do nosso olho de registrar seu detalhe, emergindo apenas como textura. Em outro trabalho relacionado, uma vista lateral de um lobo mostra duas patas plantadas enquanto os membros, angulados para um movimento que não pode ser totalmente percebido, são capturados ou estão prestes a saltar para além da moldura; novamente, as quatro patas de uma chita estão agrupadas em um momento que reconhecemos como o auge do movimento rápido. São gestos reconhecíveis, até que o nosso olhar mais atento revela uma série de histórias paralelas: uma perna estendida avança para dentro do enquadramento, mas desta vez apoiada num pequeno bloco transparente, a sua personagem enquanto espécime, protegido e conservado, contrariando o passo elegante mas hesitante; o lobo caça em uma pequena matilha com um espécime esquelético ao fundo como companhia; o movimento do emu é facilitado pelo foco da câmera. Começamos a perceber que a câmera se move em direção ao pássaro, e não vice-versa. O encontro da fotografia com o museu e o diorama oferece acesso a uma percepção profunda do tempo e realismos narrativos encenados solidificados pelas lentes da câmera, mas nas mãos de Jones, com fundos sobressalentes e uma atenção à sua apresentação à câmera, os espécimes taxidermizados apelam ao movimento e à marcha – um drama que envolve a fotografia no estudo científico, iniciado pelos estudos de locomoção de Muybridge e Marey, em direção a algo que pode ser provocado, um evento de percepção que pode ocorrer a qualquer momento. A percepção, formada pela antecipação protensiva daquilo que está por vir, pela impressão que acontece no momento e pela retenção através da memória, combina, em vez de privilegiar, um único modo de experiência. Entre as fisionomias de atores não-humanos, um corpo de ciências naturais, instituições de exibição e divulgação pública, audiência e visão humana, e a visão tecnológica impulsionada pela fotografia, há um evento silencioso, mas significativo, para o qual somos atraídos: uma tentativa de reunir, organizar e reestruturar conhecimentos e modos de ser. Entre o macro e o micro, entrando e saindo de muita atenção, em determinado momento estamos preocupados com o que uma imagem pode mostrar, apenas para nos encontrarmos flutuando e permanecendo na superfície da fotografia. Para começar, a superfície não é diferente, para a qual a nossa atenção é atraída, procurando descobrir aquilo que emerge das reações de sensibilidade à luz, semelhantes a aparições. As fotografias oferecem-nos uma infinidade de caminhos e conhecimentos adicionais que complementam e ampliam as tradições da representação perspectiva e a sua gama de possibilidades fotográficas. Em Tensão superficialimpressões em papel de câmara escura em grande escala envolvem nossa visão, formas arqueadas e vazadas parecem brilhar na superfície da imagem, delicadas como se estivessem prestes a desaparecer como um vapor. Substituem o objeto pictórico singular da fotografia por uma infinidade de traços. A sua liquidez é também alusiva e direta, tornando instáveis quaisquer formas arqueadas imaginadas, ao mesmo tempo que proporciona acesso à consideração da água e dos reveladores que lavam e processam a imagem. O traço deixa de ser uma causalidade evidente (esta marca é causada por isso) para se tornar um artefato complexo que exige que pensemos através do processo e da reação. Bordas sutilmente demarcadas nas laterais das imagens revelam uma fronteira, descrevendo uma fonte quase imperceptível a partir da qual a imagem é feita. Marcas circulares nos cantos superiores também apontam para vestígios de confecção. Pouco mais de 5 anos antes Tensão superficialJones começou a fazer uma série de abstrações com vazamento de luz, uma série conhecida como Névoa. Produzidos expondo a superfície do papel fotográfico à luz e revelando-o para produzir uma composição casual, os Nevoeiros existem como registros do encontro das luzes com uma superfície sensível, o traço de um acidente que é também o início de uma imagem. Um acontecimento protofotográfico, um drama tranquilo, são obras que parecem falar ao ponto de partida das coisas. Voltando à série, Jones usou seu Névoa fazer Tensão superficialdesdobrando a impressão como um negativo a partir do qual outra poderia ser feita. Desenhando novas camadas sutis, às vezes imperceptíveis, das quais surgirão formas e contingências, Jones nos mostra que um negativo é como um diorama, um jardim botânico, água e gelo: da aparência da estase emerge um fluxo recursivo, imagem levando a imagem, evento levando a evento. Nós fazemos o foco: à medida que os materiais se combinam e interagem, a nossa observação intensificada leva-nos à concentração: uma transformação subtil e crucial está a ocorrer à nossa volta. Poderíamos aprender com esta mistura de abstração e representação, do olhar direcionado da fotografia e da tagarelice das materialidades: podemos destruir a separação entre imagem e mundo. Talvez isso provoque uma focalização coletiva, no lugar de tantas observações difratadas.
na Santi Gallery, Londres
até 18 de julho de 2026
Credit Post By: Mousse Magazine