O noroeste do Pacífico é talvez a região mais selvagem e deslumbrante do território continental dos Estados Unidos. Com sua combinação de cadeias de montanhas, florestas de coníferas, lagos, rios e sequoias antigas pairando sobre a costa da Califórnia, a geografia e a textura de Wyoming, Montana, Califórnia e Oregon nos levam de volta ao passado primordial da América do Norte. Isso nos lembra de quando o mundo natural tinha alcance infinito, variedade infinita e uma beleza magistral que era precisamente o que os pintores e poetas românticos tinham em mente quando pensavam na majestade e no terror avassaladores do sublime. De que outra forma explicar a sensação que se tem quando os sentidos estão sitiados por um oceano, mantos de floresta verde, picos de montanhas cobertos de gelo e um grande céu de lona azul, todos agrupados como um diorama eclético e densamente compactado? Se há um lugar onde a natureza inspira um artista americano, é certamente no noroeste dos EUA.
David Rice cresceu perto de Aspen, Colorado, filho de um instrutor de esqui. Desde cedo ele amou o mundo natural. “Há algo nisso”, diz Rice. “Gosto da ideia de que nós [animals and humans] compartilhar espaço juntos. Você pode fazer isso de uma forma que não afetemos uns aos outros.”
Rice sempre ficou encantado por estar na presença viva de um animal selvagem e explica como a vida no Colorado, Oregon, e o tempo passado no Parque Nacional de Yellowstone lhe proporcionaram a oportunidade de capturar o que ele descreve como a “mágica” de avistar ovelhas selvagens, linces, raposas e alces. Ele viu alguns dos grandes animais selvagens da América do Norte em Yellowstone e arredores, e a cidade rural em que cresceu, no Colorado, estava acostumada a ver ursos negros perambulando pela comunidade, cochilando nas árvores durante o dia como animais lânguidos de livros infantis. É esta coexistência pacífica e provinciana que caracteriza muitas das pinturas de Rice, que, na sua representação da vida selvagem norte-americana, sugerem uma humanidade terna e frágil.
O estágio inicial do Rice geralmente começa com a fotografia. Ele sairá com sua câmera DSLR e fotografará quaisquer fragmentos de natureza selvagem que encontrar, seja uma “paisagem árida” ou um “ângulo estranho” que lhe dê uma nova visão dos contornos da natureza. Ele então usa essas referências fotográficas como estrutura inicial para seus esboços e, em última análise, para suas pinturas. Para Rice, ver animais selvagens é fundamental para seu processo artístico. “[It’s important] para entender como eles se movem, veja onde estão suas articulações.” Mas vislumbrar criaturas icônicas da América do Norte, como a águia-careca, a raposa vermelha e o leão da montanha, animais enraizados em séculos de mitos americanos e folclore nativo americano, é mais do que apenas um meio de precisão anatômica. “Ser capaz de ver [these animals] na vida real é o que o torna importante ou parece mais do que apenas [for example] cervo: você vê aquele cervo, aquele específico. Você não o agrupa apenas nessa categoria de cervo. Essa conexão é todo o raciocínio por trás do que eu faço.”
Rice discute a magia de ver um animal na natureza, a eletricidade inefável de olhar fixamente para um grande gato, um alce, um urso pardo. Não seria exagero sugerir que grande parte do trabalho de Rice, e talvez a principal razão de ser de sua arte em geral, surge daqueles momentos privados e isolados em que humanos e animais selvagens se olham, por um breve momento reconhecendo mutuamente o turbilhão de curiosidade, receio e admiração por trás daqueles olhos. É um tipo de magia muito específica e passageira, quando o abismo entre as espécies se fecha brevemente, mas rapidamente, e você se sente temporariamente enredado na vida interior de outro ser vivo. É a magia do intruso.
Depois de coletar fotos de referência suficientes, tanto de suas próprias fotos ao ar livre quanto de fotografias de vida selvagem de publicações como a National Geographic, ele reunirá todas as imagens e as “frankensteiná” no Photoshop.
Quando ele costura uma aproximação aproximada com a qual está satisfeito, ele começa a esboçar a partir dessa imagem de referência amalgamada. Ele constrói seus planos de fundo com múltiplas camadas de tinta para obter a textura em camadas aparente em grande parte de seu trabalho. Ele deliberadamente permite que camadas anteriores “apareçam” para dar ao papel de parede a estética esfarrapada e surrada que ele gosta. Depois vem o tema animal da composição, seguido dos “enfeites” que, segundo ele, “ajudam a enfatizar a qualidade encantadora que muitas pinturas possuem”.
Credit Post By: Mike Mariani