A raiz do trabalho de Morgan começa nas sessões de fotos que ela realiza com suas modelos. É aqui que se forma o vínculo intenso entre a artista e o sujeito, e esse sentimento inicial de tensão e exposição em seus retratos é aquele que se origina desse processo. “Pedir a essas pessoas que sejam vulneráveis comigo e com minhas lentes cria um momento único que eu prospero durante toda a produção da pintura. Ironicamente, porém, vejo meu uso da cor como uma forma de roupa ou cobertura. O vidro colorido e outras técnicas que utilizo, como desfocar e lixar, oferecem distância entre o observador e o sujeito vulnerável e nu.” Morgan trabalha diretamente a partir de suas referências fotográficas impressas e constrói pelo menos duas camadas da figura pintada, antes de optar por desfocar a tinta úmida e lixar a tinta seca usando uma lixa ou aplicar um esmalte colorido no topo da figura. Estas alterações no realismo são a sua forma de se afastar do mundo “real” e colocar o sujeito num novo espaço.
Preocupada em criar um retrato cru e emocionalmente genuíno, seu objetivo nunca é bajular. “O que mais adoro no meu trabalho é poder me conectar com as pessoas da minha vida de uma forma que não seria possível por outros meios”, diz ela.
A escala, assim como a cor, é um aspecto igualmente importante do trabalho de Morgan. Algumas de suas pinturas apresentam vários corpos em escala real em telas de tamanho monumental, a maior delas medindo entre dois a dois metros e meio de altura e um metro e meio de largura. “É importante para mim que a figura seja maior que a vida. Aumentei a escala do corpo para que ele pareça mais que humano e fora da experiência diária. O tamanho e a escala da pintura são sempre determinados pela quantidade de espaço que sinto que o indivíduo precisa ocupar psíquica e fisicamente”, explica ela. A incorporação de cores como vermelhos, amarelos, azuis e laranjas verdadeiros e elementos gráficos são captados inconscientemente em seu ambiente no estúdio ou nos estudos. Essas qualidades gráficas são justapostas aos componentes mais refinados, principalmente no rosto, nas mãos e nos órgãos genitais, uma sexualidade evidente que é o aspecto mais terno da arte de Morgan, especialmente de seus autorretratos. “Eu entendo que sou atraído pelo nu não apenas por causa de suas raízes históricas da arte, mas também por causa do meu próprio desconforto com a sensualidade. É uma dualidade: eu prospero com a vulnerabilidade da pele e então, em momentos, me sinto mortalmente envergonhado e exposto. Eu escolho confrontar o desconforto e explorar aquilo que mais me desafia.”
Historicamente, o nu tem sido utilizado tanto como expressão da beleza e das qualidades humanas, como também transformado pelos artistas em objeto estético.
As pinturas de Morgan equilibram uma linha tênue entre os dois, ambas incorporando uma bela estética e design, e elaborando a tez única de seu modelo. A cada nova peça ela exercita mais sua voz abstrata. “Sinto como se oscilasse naturalmente em vários aspectos e considerasse a qualidade do trabalho frustrante e fortalecedora.
Para mim, definir a individualidade num retrato é incorporar na pintura a alma ou a sensação de uma pessoa específica. Essa individuação é melhor realizada com contato visual direto entre o assunto e o espectador”, diz ela. O conceito do olhar do nu tornou-se popular pela primeira vez com o surgimento da filosofia pós-moderna e da teoria social, nomeadamente a análise do intelectual francês Jacques Lacan sobre o papel do olhar como um espelho da psique humana. Esta ideia estendeu-se à teoria feminista, onde pode lidar com a forma como os homens olham para as mulheres – e vice-versa, como as mulheres olham para si mesmas.
Foi uma época pesada e processei tudo com o uso da cor – os tons intensos eram reconfortantes e estabilizadores.
Credit Post By: Caro